Festival de cine

Como espectadores es difícil no tomar partido frente a personajes que se encuentran en el límite. En este caso, el ex empresario Ricardo Liaño, “dos veces millonario en dólares“, es patético, desagradable y transmite pena por los estragos que puede llegar a causar el mal paso del tiempo para aquellos que en su juventud hicieron gala de su megalomanía.

El documental de la dupla chilena es implacable, refleja todo el delirio de su protagonista y resulta, extrañamente, encantador.

Este sitio sigue existiendo, y cubrimeros el BAFICI de punta a punta, desde la sala 1 a la 12 del Hoyts y quizás con algún viaje a otro punto porteño, pero solo si lo amerita demasiado.

Eso sí, los aperitivos en las inmediaciones del Shopping Abasto, acercarse al “Patio” de comidas es causante de una úlcera pre papasfritas.

¿Querés saber qué ver? Leímos todas las sinopsis del catálogo y quien escribe (que en realidad soy el “nosotros” al que me refiero, como para darme aires de sitio multitudinario) solo está seguro de ir a ver las de Ossang, Elle veut le chaos y alguna de Su Friedrich. El resto… veremo´

Si quieren notas sobre otro tema: www.otroscines.com (mucha pavada sobre el Festival).

Una joven japonesa se va a Irak de voluntaria durante la ocupación. Allí es secuestrada y luego de ser liberada vuelve a Japón, donde es recibida de la peor manera, despreciada, amenazada, incluso por sus propias amistades.

Kobayashi filma de manera casi documental, busca transmitir la agonía interna de Yuko, pero lo único que transmite Bashing es una mirada berreta a un conflicto tan complejo visto desde occidente como lo es el honor de la sociedad nipona.

La relación con su (ex) novio, con su padre y su madrastra; incluso la forma en como es despreciada en su (ex) trabajo y en la calle es mostrada con pena, Yuko da lástima y Kobayashi quiere que nosotros le tomemos cariño; pero la empatía de los espectadores con un personaje se construye y no se exige a fuerza de golpes y más golpes hacia el personajes.

El recorrido de un espectador en un festival se crea a base de comentarios, reseñas leídas o la casualidad. Bashing fue comparada por distintos críticos con los trabajos de los hermanos Dardenne y por eso fui a verla. Equivocación absoluta.

Naturaleza muerta, Todavia vivo, La buena gente de las Tres Gargantas, son los tres títulos por los que es conocida la película de Jia Zhang-ke, en español, en inglés y en cantonés. Una pequeña dosis de cada uno de ellos es lo que mejor describe otra aproximación mas del chino a un cine que combina a la perfección el documento histórico de un cambio excepcional de la sociedad china y la belleza total de un trabajo cinematográfico absoluto, dueño de un manejo y una compresión del lenguaje que sobrepasa la prosa escrita y aun su propia película.

No es solo que filme lindo, que proponga mucho y exija al espectador a una retroalimentación entre su propia visión y la de aquel, sino que Zhang-ke cautiva con esa combinación y resulta imposible escapar del estado de destrucción, de la esperanza vital y de la cautivante humanidad de la buena gente que inunda el filme, como la represa lo hace con el paisaje.

Sanxia haoren, tal la transliteración textual, cuenta la historia del minero Sanming y de la enfermera Shen Hong, ambos viajan hasta la ciudad de Fengjie, donde se está construyendo la mayor represa del mundo, para encontrar a su parejas, ambas separadas desde hace mucho tiempo. El hombre no ve a su mujer hace 16 años, en cambio el marido de la enfermera se fue de su casa dos años atrás. El ambiente es de destrucción, Fengjie está siendo demolida casi en su totalidad, mas de un millón de habitantes debieron dejar sus casas, expropiadas por el Estado, para que Las Tres Gargantas pudiese llevarse a cabo; en esta situación encontrar a alguien, he incluso poder hallarse a uno mismo resulta no solo dificil, sino que una tarea que puede lograrse solamente con la ayuda de esa buena gente, la que cree que en este lugar muerto todavia vive gente, todavia hay esperanzas, y por ello el filme destila una sensación de amargura total, esa extrañación propia del cine de los grandes cambios, pero logra dejar un buen sabor; por esa belleza absoluta con la que filma Jia Zhang-ke y por la esperanza que se combinan en los tres títulos de la película.

Forever destila emoción y sutileza, su directora, la peruana radicada en Holanda Heddy Honigmann nos contestó por correo electrónico unas breves preguntas sobre su película.

Seizun Suzuki tiene ochenta y pico de años, y lo que menos es, es choto. Es un viejo piola, divertido, y de una vitalidad imposible de sostener. Y La princesa mapache es la obra cumbre de un subnormal, de alguien que tiene el cerebro quemado y logra un filme fascinante, una historia sin ataduras con realidad, pero tampoco con la fantasía, en escenarios de cartulina, pintados con colores chillones y personajes disfrazados de mapuches, con cola y todo.
La historia es sencilla, una princesa mapache se enamora de un príncipe que es perseguido por su padre para asesinarlo, porque el joven le quitará el trono, pero el de el hombre más bello del planeta. Todo en clave musical, aprovechando la infinidad de ritmos musicales existentes, del rap al calypso, todo muy kitsch y descaradamente irrelevante.
Opereta tanukigoten es sumamente disfrutable, desde su estética, su desfachatada ridiculez, y sobre todo desde la apuesta desvergonzada, sin miedo a un ridículo que hace, pero de manera flagrante e intencional.

Documental sobre una banda de pop uruguaya, en donde se muestra la producción, la grabación y algunos entretelones de un disco cantado en inglés. Punto de partida aburrido, interesanta tan solo para los amantes de Astroboy, el grupo en cuestión.
No obstante, sin conocer en absoluto a la banda, el filme de Andrés P. Estrada y Juan Schnitman nos muestra a un grupo de amigos, con una filosofía de alegría desbordante, trabajo constante y transmite un encanto instantáneo hacia ellos.
No hay nada oculto, no hay dobles lecturas, ni intenciones de vender nada, la cámara participa como un sexto Astroboy, es objeto de bromas y le hace bromas a sus compañeros de aventuras. Grande para la ciudad tiene una de las mejores escenas de este BAFICI, en donde los músicos discuten el porqué Superman decidió ser periodista cuando “es” Clark Kent, en vez de ser futbolista y “ser un poquito mejor que Maradona para no levantar sospechas”, o ser el super empleado del mes de McDonalds. Un filme sencillo, sin estridencias pero sumamente disfrutable.

Kazuhiro Soda filmó a un empresario lanzado a una campaña electoral para ser electo concejal de la ciudad de Kawasaki. Lo filmó de todas sus tareas proselitistas e intenta hacerle creer al espectador que es un documental político, que trata sobre el cómo y el por qué los partidos apoyan o no a sus candidatos, y cómo funciona un aparato partidario.
Lo único que logra Campaign es forzar al patético candidato, Yamauchi Kazuhiko, a no mirar jamás a la cámara, buscar en los espectadores una complicidad imposible de conseguir, porque el filme de Soda es maniqueo, tiene los peores vicios cinematográficos existentes, es moralmente reprobable y encima es aburrido, no logra crear empatía con el personaje del documental y lleva al paroxismo el sentimiento de abulia mental de Yamauchi Kazuhiko, quien se limita a repetir cada tres segundos su nombre y apellido porque alguien le dijo que la gente solo escucha esa cantidad de tiempo.
Funesto el planteo de Kazuhiro Soda; impresentable Yamauchi Kazuhiko, porque ni siquiera logra hacernos sentir vergüenza ajena. Un filme deplorable, inscripto dentro de lo peor del cine documental.

El director brasilero João Moreira Salles comenzó a filmar en 1992 un documental sobre el mayordomo de su familia en su juventud. Santiago Badariotti Merlo era un joven argentino que en la década del ´20 viajó de su pueblo natal a una esplendorosa Buenos Aires para emplearse en casa de una familia de la aristocracia porteña. En esos años viajó a Rio de Janeiro y fue durante 30 el mayordomo de la familia Moreira Salles, en donde conoció a la creme de la creme de la oligarquía brasilera y mundial.
Este personaje parece interesante por los acontecimientos ajenos a él, producidos en su entorno, en la casa de los Salles, sin embargo Santiago (la película) es un documental sobre el porqué João Moreira Salles no editó el filme en el momento de filmarlo y esperó casi 15 años para hacerlo. La reflexión sobre su propia incapacidad en 1992 de guionar o no su película, de presuponer que el documental contaba una verdad, que era el campo de lo objetivo, de un personaje tomado, filmado y exhibido con una observación no participante de parte del director.
João Moreira Salles no es un documentalista mas, este filme nos muestra a un lúcido cineasta, capaz de montar material de un desconocido, muerto en 1994, de quien solo existe material fílmico rodado por él mismo durante 5 entrevistas y lograr una película sutil, audaz y muy emotiva. Esto se debe a la capacidad de Moreira Salles, su decisión de montar la misma escena dos, tres y cuatro veces; al juego que establece entre Santiago Badariotti Merlo como personaje de un documental y como actor repitiendo a cámara su mismo testimonio, con expresiones teatrales y al mismo Santiago, un personaje antológico, que rememora con una brillantez estupenda su vida, su trabajo como mayordomo, su obra de recopilación de la historia de la aristocracia mundial a lo largo de seis mil años en más de 30 mil folios y su amor por el arte.
Este es un filme imperdible para los amantes del cine, sincero, impactante y con una carga de autoreflexión que se refleja en las palabras del director al finalizar la proyección en una de las salas del Bafici, cuando dijo que “el documental no es un terreno de la verdad o la mentira, sino que el documental se inscribe en el terreno de la ética.”; palabras mayores de un autor mayor.

Película de contrastes, entre hombres y mujeres homosexuales, entre lo bello del paisaje y lo feo de la ciudad, entre la belleza sutil de Tamsin y el espíritu salvaje de Mona (Lisa), entre la riqueza de una y la pobreza de la otra, entre Dios, el diablo y las jóvenes diabólicas.
Pawel Pawlikowski filma pausadamente una agradable historia, sin altibajos, de manera tranquila y serena se aproxima a un desarrollo mas sobre el lesbianismo en adolescentes (así como la estupenda Fucking Åmål, o la también vista en el BAFICI 05 Reflections), pero hay un punto en donde se desbarranca y ya no logra remontar jamás su película: el descenlace.
Mi verano de amor pinta muy bien el pequeño infierno del pueblito rural, la imposible redención del estupendo Paddy Considine, el hermano alcohólico, pendenciero y violento de Mona, y la amistad y posterior romanece de las dos chicas; pero cuando empieza a buscar salidas a la relación, al quiebre emocional de una de las dos, el filme toma el camino más berreta, el menos feliz para los personajes, para los espectadores e incluso para la moraleja final.

Con un planteo demasiado moralizante sobre lo despiadado de la superficialidad reinante en Corea, Kim Ki-duk realizó una película con proyecto de éxito, con un interés puesto exclusivamente en un público condescendiente y con una temática ya probada en la maravillosa Eterno resplandor de una mente si recuerdos, de la que abreva mucho y a la que no le rinde homenaje en lo mas mínimo.
See-hee es una novia celosa que decide dejar a su novio Ji Woo por seis meses, el tiempo que tarda en recuperarse de una operación estética de rostro, para que su pareja disfrute de otra mujer.� Si Eterno… se planteaba que es innecesario escapar de la realidad para recordar lo bueno que aloja el amor y reflexionaba sobre la constitución de la memoria y su relación con el cine, Tiempo no reflexiona, nos tira encima un frenesí de cambios, al estilo thriller de acción pero en clave casi de comedia, no invita, sino que explica y remarca lo ilógico y enfermizo que resulta querer modificarse por medio de la cirugía estética.
See-hee se convierte en She-hee, y Ji Woo también la ama, como Joel amaba a Clementine tras el borrado de memoria, tímidamente, con un recuerdo físico que supera al amor que se esconde detrás, tras el velo del rostro modificado. Por otra parte, no solo el tiempo, sino que la locura, la obsesión y el breve espacio que separa amor/odio en la relación inmediata en la era celular es tratada por KKD, pero siempre con mucha exposición de sus actores, con melodrama y reiteración de escenas (el mismo café, la misma mesa, la discusión y posterior rotura de tazas) de manera que queda expuesta la necesidad de See/She hee de ser amada por siempre, de su miedo/obsesión a la pérdida (de juventud, de su gran amor), y en la segunda parte del filme, Ji Woo se expone a la paranoia sembrada por su novia, y parece decirnos el director que por la sociedad coreana, objeto de un culto a la belleza desbordante
A propósito de la película Kim Ki-duk declaró que “es humano sufrir a causa del paso del tiempo”, y en lo simple y trillado de su reflexión es donde reside el problema de Tiempo, que no deja de ser una historia que se perderá con el paso del tiempo.

Un pequeño poblado turco es visto desde los ojos de tres niños que reciben el mandato paterno como un castigo. Desde este simple planteo inicial Reha Erdem construye un filme abundante, lleno de lirismo visual, de planos de una belleza absoluta, y dentro de esta cáscara casi perfecta relata una historia sencilla desde lo aparente, pero con connotaciones morales, religiosas y humanas evidentes. Cada uno de los tres chicos recibe un mandato unívoco, seguir los pasos de su padre de una u otra manera, así como ellos mismos siguieron el de sus antepasados. Los tres reciben castigos y reprimendas por ser niños, sus padres los reciben de sus mayores por no ser lo que ellos esperaban, y el círculo se corta en la abuela que solo espera, plácidamente, que le llegue la hora de su muerte. Todo lo que se muestra en pantalla, Omer deseando (y planeando) la muerte de su padre, Yakup compartiendo con su padre la lujuria oculta por su bella maestra, y la pequeña Yildiz convertida, en plena niñez, en madre de su propio hermanito, es poco en relación a lo que Erdem deja entrever. Un pueblo lleno de temores, relaciones violentas y ocultas entre los pocos habitantes, odios y miradas cruzadas en un clima de efusividad entre los niños, que solo buscan disfrutar de la belleza que ofrece el mundo que el autor turco nos deja compartir con sus criaturitas.

René Clément y Jacques Tati juntos lograron un cortometraje que hoy resulta muy ingenuo, aun tomando en cuenta que fue realizado hace 70 años.

Tati vive al lado de una academia de boxeo, en donde un campeón va a pelear contra un boxeador local. Claro que Tati logra subirse al ring y con un humor físico estupendo sacarnos risas de manera constante. Consulta un manual de boxeo, detiene la pelea, utiliza a los espectadores (reales y virtuales) para ganar la pelea y lo hace.

Cine de 1915 filmado en 1936, pero alegra el rato, y además es Tati.

Jeanne Waltz nos sorprende con un relato seco sobre una joven enfermera que decide suicidarse y, sin embargo, por acto del destino y la sorpresa, termina disparándole e hiriendo a un adolescente, al que luego deberá atender en el pequeño pueblito en donde vive, trabaja y seguramente morirá.
Cine francés producido por el actor y director Didier Haudepin, es una muestra de una cinematografía austera, despojada hasta de interés. Pas douce transmite poco, pero porque eso es lo que busca, solo tensión, lograr tensión por la angustia misma, sin otro sentido que el de probar cuánto se puede presionar sin explotar.
Isild Le Besco, la enfermera, no sabe si es buena o es mala, no sabe si debe matar o debe morir, si tiene que o no tiene que. Su cuerpo también duda entre tener sexo rudo con dos desconocidos o hacer el amor suavemente con su ex novio, al que aun ama.
Steven de Almeida, el adolescente atacado, se encuentra en una encrucijada mas estereotipada, separación de sus padres, violencia desmedida, mal humor permanente.
Ante este panorama ambos personajes lograr una gran relación, tensa y complicada.

La historia íntima de una Corea muy personal, dos enamorados, un luchador por la libertad de una nación oprimida por una dictadura sanguinaria y una artista dedicada a cultivar un amor dulce y juvenil.
Im Sang-soo filma un documental sobre la terrible masacre de Gwangju, que significó la muerte de cientos de estudiantes y luchadores sociales en manos de las fuerzas represivas del dictador, en forma de ficción.
Documenta sensaciones, la mezcla inevitable del olvido frente a la sin razón de la separación que significa la desaparición. The old garden es una bellísima historia de amor entrecruzada en tiempo y espacio por la tumultuosa década del 80, llena de euforia y desazón por la lucha inutil contra la opresión, que se refleja en personajes que logran amar en contacto físico y son incapaces de demostrar sus emociones sin avergonzarse por la trivialidad del hecho; un presente calmo, lleno de búsquedas, la identidad, la reconstrucción de un pasado y una historia perdida; y por un futuro incierto, pero Im Sang-soo parece decirnos que será mejor, que Corea no olvida ni perdona.

El cementerio Pere-Lachaise fue construido en 1803, alberga a cientos de artistas famosos, desde Honoré de Balzac a Georges Bizet, de Molière a Edith Piaf, a Gioacchino Rossini y a Miguel Ángel Asturias. Un documental sobre una necrópolis de esta embergadura podría ser un monumento a los lugares comunes, datos precisos sobre cada personalidad, solemnidad abrumadora, o podría ser una mórbida referencia a lo breve que es la vida, a aquellos que se fueron y nos dejaron un mundo en auge y/o decadencia, una reflexión sobre la muerte y la vida. Pero no, la directora peruana Heddy Honigmann (radicada en Holanda desde hace muchos años) nos regala una obra inmortal, un “canto a la vida” sin la cursilería barata de esta frase, un documental en donde se funde la necesidad de aferrarse al arte por sobre lo frugal que es vivir.
Sus propias palabras cuando una de las entrevistadas le consulta el porqué de este trabajo son “(lo filmo para) hablar de la importancia del arte en la vida”, y cada visitante anónimo deja sus impresiones, reflexiones y sus emociones sobre la obra de grandes genios de la historia del arte como Chopin, Proust, Melies u Oscar Wilde, o de artistas desconocidos como la cantante Danièle Messia, quien es ocasionalmente visitada por algún fanático perdido en el tiempo, o de una joven de 25 años cuyos poemas tallados en su tumba van perdiéndose por los pasos del tiempo y el derrumbe de su tumba.
Forever es emocionante, es bella y muy sincera. No juega con las emociones de sus espectadores, sino que las despierta, hace aflorar afecto por obras monumentales e incluso por pequeños esfuerzos de aquellos que reconociendo el influjo que el arte tuvo en ellos, adoran a los olvidados.

Basada en la tragedia griega “Ifigenia en Aulide” de Eurípides, Inés de Oliveira Cézar crea una singular obra, marcada por la belleza de su imagen, la cuidada elección de una locación atemporal, la construcción de un clima tan seco como el argumental y sobre todo el preciso logro de transmitir temor por medio de la sugestión visual.
Agamenón decide sacrificar a su hija Ifigenia a lo dioses para que se termine la seca, esa es toda la historia que de Oliveira Cézar se propone llevar adelante, y cuenta esa historia, la original y una reconstrucción vernácula, compleja y de un lirismo visual absorbente.
El punto de partida prometía teatralidad, tedio o absurdo; no obstante Extranjera se constituye en una estupenda obra, vital, con precisas actuaciones de Carlos Portaluppi, Eva Bianco y sobre todo de la estupenda Agustina Muñoz, quien en el papel de Ifigenia da muestras claras de su talento.

La noche no suele ser filmada como un espacio temporal, sino simplemente como la excusa para delinear a personajes marginales, a solitarios empedernidos o simplemente para embellecer visualmente algún trabajo.
Rafael Filipelli se adueña de la noche porteña en el mejor sentido, inventa un momento perdido en Buenos Aires y desde allí delinea a una pareja de clase media alta, perteneciente a la burquesía intelectual, con ansias de figuración social/cultural pero sobre todo con cansancio de ese mismo espacio que los delimita.
Música noctura deambula por un universo complejo, relaciones de pareja rotas innevitablemente por el paso de los años, de las experiencias, de las frustraciones; pero sin reproches, sin tenerle lástima a su pareja de cincuentones interpretados cansinamente por Enrique Piñeyro y Silvia Arazi, quienes de manera excesivamente teatral dialogan remarcando palabras, exagerando su cotidianidad hasta el punto de exasperar a pesar de lo logrado de un estupendo trabajo de iluminación encadenado a una fotografía nocturna impecable, dotando a Música nocturna de una ambiguedad alienante.
El juego de espejos entre la puesta en escena sutil e impreceptible, y lo brusco de la dirección actoral hacen pensar a un Filipelli mal intencionado, dispuesto a sacrificar a su rebaño protagónico con tal de relucir, de irradir esa inteligencia que él tanto aplaude.

Recorrido inverso a Le fils de los hermanos Dardenne, el filme chadiano sigue a Amit, un huérfano a causas de la guerra civil, en el mandato de su abuelo de vengar la muerte de su padre.
No obstante, el trillado tema de víctima/victimario forjando una relación si que uno de los dos lo sepa hace que Daratt pierda tensión, no logre crear nunca un clima que vaya en el mismo sentido que sus personajes. Además, la decisión de Mahamat Saleh Haroun de filmar a Amit desde lejos cuando juega y expresa sus emociones junto a su amigo, y en primeras planos forzados cuando observa, enfurecido (pero sin transmitir ese odio al espectador) al asesino de su padre.
Haroun se revela como un guionista incisivo, un realizador eficaz y muy prolijo, pero sus decisiones estéticas refieren una tibieza y un alejamiento negativo para la película, que naufragia de a poco hacia el tedio y tironea entre la empatía hacia los personajes porque no logra despgarse de quien es a su gusto el bueno, quien el malo y como debe terminar la historia, con moralina edificante incluida.

Absurdo suele ser, en ciertas expresiones artísticas un elogio, un adjetivo que marca a fuego una obra y la lanza al público que audazmente se enfrenta a un espectáculo complicado de diluscidar, pero que de alguna manera o lo entretiene, o lo lleva hacia un lugar para abordad una realidad mas compleja o simplemente lo hace reflexionar.
Este bodrio mayúsculo merece ser absurdo, pero por su acepción mas peyorativa, juega a inventar una realidad paralela, un mundo sin reglas pero sin convertirse ni en un planeta disutópico, ni siquiera en una fantasía.
Munakata, es el joven protagonista que recién salido de un reformatorio por haber asesinado a su madre consigue trabajo en la ciudad industrial de Kawasaki, un no-lugar, en donde los habitantes solo rezan, se matan y hacen el amor.
Sin embargo, lo que parecía un trabajo rutinario se convierte en el ensamble de revólveres fabricados dentro de controles remotos de televisión. Su jefe: el cura del barrio. El disparate es aún mas pronunciado por la intencional morosidad de Shutaro en contarnos una historia que no es tal, mostrarnos un escenario vacío, una puesta en escena reflexiva sobre si misma, pero que no refleja mas que la intención del autor en (no) mostrarnos algo que según él, no existe.